L’exposition du 100e anniversaire de la collection Phillips montre la voie à suivre

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Aujourd’hui, les institutions artistiques traditionnelles vivent dans cette même vague de malaise, de promesse et de morosité. Ils ont été laissés à eux-mêmes dans un monde qui évolue rapidement. Lorsque la pandémie de coronavirus sera terminée, seront-ils des dinosaures? Les traditions qu’ils ont maintenues pendant des décennies ou des siècles méritent-elles d’être maintenues?

La vidéo d’Akomfrah est rencontrée à peu près au milieu de l’exposition du 100e anniversaire de la collection Phillips, «Voir différemment: les Phillips collectionnent pour un nouveau siècle». Il condense l’anxiété, l’idéalisme et le balayage historique des autres galeries, semblant poser une question au musée similaire à celle que beaucoup posent à la nation dans son ensemble: y a-t-il une voie à suivre?

«Voir différemment», qui s’étend dans tout le musée, offre une réponse catégorique: oui. La planification de l’exposition était déjà en cours lorsque le musée a été contraint par la pandémie de fermer il y a un an. Depuis lors, des manifestations liées au meurtre de George Floyd et d’autres Afro-Américains, et un regain d’intérêt pour la suprématie blanche et les inégalités économiques ont lancé le plus large mouvement pour la justice raciale depuis les manifestations pour les droits civiques des années 1960 et le refus d’un président en exercice de concéder une élection a déclenché à la fois une insurrection au Capitole et une large prise de conscience que la démocratie américaine est menacée de sectarisme, d’ignorance, de lâcheté et d’hypocrisie.

La portée et l’ambition de l’exposition rappellent celles de l’exposition post-rénovation du Museum of Modern Art en octobre 2019, quelques mois à peine avant que le monstre de New York ne soit également contraint de fermer en raison de la pandémie. L’impulsion du MoMA était à la fois auto-promotionnelle, pour montrer la profondeur et la richesse de sa collection, et intellectuelle, pour démanteler ce que ses conservateurs considéraient comme des récits d’histoire de l’art encombrants et restrictifs.

Dans un essai de catalogue pour l’exposition Phillips Collection, la directrice du musée Dorothy Kosinski soutient que le fondateur du musée, Duncan Phillips, a également résisté au poids mort des récits fixes: ismes – il s’est délecté d’explorer des juxtapositions inhabituelles et des installations fréquemment changeantes afin de révéler le continuum fluide de l’expression artistique.

Mais quelle différence entre les deux émissions: la Phillips Collection se concentre sur le «continuum fluide», tandis qu’au MoMA, l’accent était mis sur un mépris flamboyant pour les «ismes». Le plus petit musée a réussi à relier des points et à suggérer des alternatives à la vieille pensée, tandis qu’au MoMA, les points forts étaient quelques juxtapositions intéressantes, principalement en mer dans un désordre chaotique d’art décontextualisé. Ce n’est pas surprenant: il est plus facile de perturber d’anciens récits que d’en proposer de nouveaux, et il y a plus de récompense (au moins à court terme) à être perçu comme un perturbateur que dans le travail risqué et spéculatif de forger de nouvelles connexions.

La collection Phillips a l’avantage d’être un musée relativement petit. Au cours des 100 ans qui ont suivi sa création, les collections du musée sont passées de 237 à près de 6 000 œuvres. Les visiteurs réguliers connaissent la collection principale comme ils connaissent les tapis et les lampes de leur propre salon. Il est possible d’avoir une relation personnelle avec les trésors clés de la collection Phillips d’une manière qui n’est plus durable au MoMA, étant donné la foule, le trafic piétonnier et l’accent institutionnel mis sur la croissance.

Il serait difficile pour tout conservateur, aussi visionnaire soit-il, d’afficher les points forts essentiels du MoMA sans invoquer leur pouvoir canonique. Les ismes et taxonomies de l’art moderne sont, dans une large mesure, essentiellement les ismes et la taxonomie établis par le MoMA au cours du siècle dernier. Et ainsi, la monumentalité des œuvres majeures du MoMA a conduit à ce qui ressemblait à un effort pour les contenir ou les neutraliser. Ils resteraient exposés – le public payant se révolterait autrement – mais ils doivent en fin de compte être vaincus plutôt que repensés.

On ne sent pas ce cynisme autodestructeur chez les Phillips. Le favori du public de la collection – le «Déjeuner du bateau» de Renoir – a été déplacé de son ancienne galerie, qu’il dominait comme une croix sur un autel, et réinstallé dans la salle de musique du musée, où il se trouve derrière le piano, améliorant ainsi la convivialité implicite de la salle, mais d’une manière plutôt chaleureuse et retirée. Cela ne semble pas aussi bruyant ou autoritaire, mais plutôt comme s’il avait appris à s’asseoir et à écouter un peu.

Une autre galerie, au deuxième étage de l’ancien hôtel particulier, est consacrée aux petites domesticités, avec des photographies de familles de Bruce Davidson et des scènes intimes de la vie ordinaire de Pierre Bonnard et Edouard Vuillard. Mais il comprend également des peintures importantes d’Horace Pippin, Yasuo Kuniyoshi et William Merritt Chase. La diversité raciale et ethnique des artistes est frappante, mais plus important encore, la galerie dépasse la généralisation insipide: nous sommes tous humains, tous dévoués à la famille, tous également attachés à la maison et au foyer. Il y a des unités ici, bien sûr; mais il y a aussi des différences essentielles, d’échelle, de richesse, de confort matériel et de subtilités de l’accent mis sur ce qui fait d’une maison un foyer.

Les conservateurs de l’exposition mettent l’accent sur des thèmes familiers, en particulier l’art comme forme de guérison, citant les propres mots de Phillips sur la façon dont la construction de la collection et sa mise à disposition du public l’ont aidé à guérir de la mort de son père en 1917 et de la perte de son frère pendant la pandémie de grippe de 1918. Mais c’est la vision philosophique plus large de l’art de Phillips qui donne à ce spectacle sa cohérence. Aujourd’hui, ce point de vue semblera naïf à certains et dépassé pour beaucoup. Phillips a lu le travail de John Dewey, en particulier son traité de 1934 «L’art en tant qu’expérience», et a trouvé la confirmation et l’élaboration de son propre sentiment qu’il y avait une dimension éthique et existentielle plus profonde à la façon dont l’art intensifie notre expérience sensorielle. L’art, bien compris, non seulement nous sensibilise aux modèles et aux relations formelles, mais relie des expériences esthétiques intenses à notre existence quotidienne dans un monde débordant de beauté (si nous pouvons apprendre à le voir). L’art raffine et relie à la fois, comblant le gouffre entre notre solipsisme et le monde.

Certains petits musées d’art sont perpétuellement piégés par la vision de leur fondateur. Ils travaillent sous des restrictions qui empêchent l’art d’être jamais déplacé, ou prêté à d’autres musées, ou qui rendent difficile la collecte de nouvelles œuvres et leur intégration dans la collection existante. Les Phillips, heureusement, n’étaient pas limités de manière aussi brutale par Duncan Phillips. Le fardeau qu’il porte, qui s’avère être une bénédiction, est l’ombre persistante de Phillips non pas en tant que collectionneur d’art mais amateur d’art.

Et l’amour est la chose critique. Certains musées l’ont et savent comment le partager, d’autres non. Le Phillips a gagné un autre siècle.

«Voir différemment: les Phillips collectionnent pour un nouveau siècle» à la Phillips Collection jusqu’au 12 septembre. Pour plus d’informations sur les billets et l’accès, visitez www.phillipscollection.org.

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