L’exposition de Faith Ringgold à Glenstone montre la vision utopique d’un artiste activiste

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La peinture de 1962, une des premières œuvres de l’artiste acclamé, est rencontrée au début d’un puissant survol de sa carrière au Glenstone Museum. Présenté à l’origine en 2019 aux Serpentine Galleries de Londres, le spectacle a voyagé en Suède et est vu ici dans sa seule salle américaine. Amener des expositions à l’extérieur n’est pas la pratique habituelle de Glenstone, déclare la directrice du musée Emily Wei Rales. Mais même avant la mort de George Floyd l’été dernier, et l’effet catalytique qui a eu sur le mouvement Black Lives Matter, Glenstone avait prévu d’accueillir l’émission.

Le voir aujourd’hui, alors qu’un procès examinant la mort de Floyd est en cours à Minneapolis, est brutalement difficile, mais aussi exaltant. Ringgold émerge non seulement comme un ardent défenseur de la justice raciale et de l’égalité des femmes, mais aussi comme un prophète. Et en voyant un aperçu de la carrière de l’artiste de 90 ans, on est enthousiasmé par quelque chose autre aussi: la cohésion et la persistance de ses idées, impulsions et gestes, qui suggèrent un sens héroïque du but, un esprit dédié à rassembler les choses, les relier et les rendre lisibles à un public aussi large que possible.

Pensez à «Quatre femmes à une table». Il y a un récit ici, apparemment un de paresse, d’aliénation et de méfiance mutuelle, bien que l’image ne le rend pas explicite. Mais il y a aussi une tendance à des géométries de premier plan qui portent un poids émotionnel, les angles et les arcs de regarder ou de se dépasser, et les hiérarchies de hauteur et de placement des visages dans un cadre confiné. Les têtes doivent quelque chose à Picasso et plus encore aux lignes et plans abstraits de Matisse, dont les ombres faciales vertes semblent avoir inspiré Ringgold à créer des bleus analogues au cours de ces premières années de sa carrière.

Tout au long de l’exposition, cette tendance à la géométrie et à l’abstraction revient, reliant le travail figuratif à des incursions occasionnelles dans la pure abstraction. Ringgold, qui a grandi à Harlem et a soutenu le mouvement Black Power dans les années 1960, se souvient de la sténographie réductrice du visiteur occasionnel de musée en tant qu’artiste politique et provocateur. L’exposition de l’une de ses œuvres les plus vivifiantes, la «American People Series # 20: Die» de 1967 au Museum of Modern Art de New York, honore et atténue cet héritage d’activisme: la peinture murale est juxtaposée au révolutionnaire 1907 de Picasso. «Les Demoiselles d’Avignon», avec la suggestion implicite que les deux sont perturbateurs, spontanés et sauvages dans leur ténacité à des fins expressives.

Mais cela minimise un autre fait sur Ringgold qui devient de plus en plus clair tout au long de cette exposition: les formes hautement tracées et structurées qui sous-tendent chaque peinture ou design. Elle est passionnée par la composition, ce qui en fait une métaphore pour comprendre et contenir ainsi les énergies que son art dépeint et déploie. L’une de ses œuvres les plus connues, «American People # 19: US Postage Stamp Commemorating the Advent of Black Power» de 1967, utilise le trope Pop Art d’un objet familier du quotidien, le timbre-poste, pour créer une grille de visages, certains noirs, les autres principalement blancs. Les mots «Black Power» sont inscrits en diagonale sur la grille, clairement lisibles. Mais la grille elle-même est structurée par les mots «White Power», avec les lettres distendues et connectées, et rendues en blanc, et donc presque impossible à lire à moins que vous ne les recherchiez.

La police fantomatique en forme de grille fait une déclaration de base sur la nature cachée des structures de pouvoir, une ubiquité et une omniprésence qui les fait disparaître dans l’ordre naturel implicite des choses. Mais cela rappelle aussi un jeu pour enfants, dans lequel les mots étaient écrits avec des caractères étirés verticalement, de sorte que la seule façon de les lire était de tourner le papier de manière à ce qu’il soit presque horizontal par rapport au sol, ce qui faisait apparaître la police distendue verticalement. comme l’impression normale.

Ce jeu propose une leçon simple sur une compétence artistique de base, le raccourcissement. Dans la main de Ringgold, cela suggère également que nous devrions, au moins mentalement, retirer ses peintures du mur si nous voulons voir les choses sous un nouvel angle. Cette demande devient encore plus explicite dans ses célèbres peintures de courtepointe, dans lesquelles le lettrage sur certaines des toiles matelassées défile géométriquement autour de l’œuvre de sorte qu’elle soit parfois à l’envers, ou en montant et descendant l’axe vertical. Encore une fois, la meilleure façon de voir cela, de le lire facilement, serait de le retirer du mur – si ce genre de chose était autorisé dans un musée d’art.

Ringgold s’est tournée vers la réalisation de ses peintures sur courtepointe après avoir découvert une salle de peintures sur rouleaux tibétains et népalais du XVe siècle, ou tankas, au Rijksmuseum d’Amsterdam. Les peintures qui pouvaient être enroulées étaient plus faciles à déplacer et à ranger, ce qu’elle trouvait pratique à l’époque. «En tant que femme artiste, vous devez gérer votre travail vous-même», a-t-elle déclaré dans une interview avec Hans Ulrich Olbrist publiée dans le prochain catalogue de l’exposition.

On pourrait remplir une dissertation de bonne taille sur les œuvres de la courtepointe de Ringgold seules comment ils ont placé la narration et la mémoire au centre de son travail, lui permettant de contourner les gardiens habituels du récit, et comment ils ont confondu les vieilles idées sur la frontière entre l’art et l’artisanat, la peinture et la courtepointe, les formes d’expression légitimes et marginalisées. Ce qui frappe le plus de les revoir, et tant d’entre eux tous à la fois, c’est leur intimité. L’une des vertus des objets hautement portables est que vous pouvez les garder près de vous, et c’est cette qualité de proximité qui est la plus émouvante.

Parmi les points forts de l’exposition, citons l’exposition pour la première fois dans une galerie d’une collection de neuf œuvres abstraites réalisées par Ringgold au début des années 1980, après la mort de sa mère en 1981. Elle appelle ces peintures la série Dah, un nom inventé que leur a donné sa première petite-fille, qui apprenait à parler à l’époque. Formellement, ils s’appuient sur le rendu presque abstrait des forêts et de la verdure vu dans certaines de ses œuvres antérieures. Les motifs suggèrent également le type de camouflage que nous pourrions porter si nous essayions de rester discrets dans une forêt d’arcs-en-ciel, d’argent et d’or et de couchers de soleil perpétuels. Ils suggèrent le paradis, ou la joie, peut-être l’exaltation de la découverte quand un enfant souligne quelque chose de significatif et dit simplement «ça», «là», «oui» ou «dah!»

La valeur de cette exposition est son accumulation de détails et de perspicacité. Cela ne prétend pas que l’art de Ringgold est en quelque sorte plus personnel et intime que ce que nous lui attribuons habituellement, si seulement nous pouvions voir au-delà de la politique. Au contraire, il ajoute le personnel et l’intime à la sensibilité militante et politiquement à l’écoute. Il relie les rebondissements de sa vie – une visite pour voir les maîtres hollandais au Rijksmuseum mène à la découverte des peintures tanka – à sa passion de toute une vie pour la justice dans le monde.

Mais il offre aussi quelque chose qu’il est facile de perdre de vue, l ‘«après» utopique de la lutte politique. À quoi ressemble le monde meilleur que nous recherchons, lorsque nous y parvenons?

La série Dah suggère qu’il est déjà là, se cachant à la vue de tous, comme les mots pernicieux «White Power» sur le timbre-poste qu’elle a réalisé en 1967.

Foi Ringgold ouvre au Glenstone Museum le 8 avril. Pour plus d’informations, visitez glenstone.org.

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