Les progrès aux Oscars soulèvent des questions sur les chiffres et les nuances

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Il s’en est suivi une cascade d’événements – y compris la campagne #OscarsSoWhite, des révélations de harcèlement et d’abus sexuels omniprésents par Harvey Weinstein et d’autres leaders de l’industrie, la création de Time’s Up et du mouvement #MeToo, et l’engagement de l’académie à recruter plus de femmes et de personnes. de couleur et de membres internationaux – qui placent la diversité, l’inclusion et l’équité fermement sur le radar de l’industrie. Le en cours coronavirus les manifestations contre la pandémie et la lutte contre le racisme ont fait monter les enjeux encore plus haut: en septembre, l’académie a annoncé qu’elle instituerait de nouveaux critères pour se qualifier pour son meilleur Oscar de la photo en 2022, conçu comme une carotte pour les cinéastes intéressés à rendre leurs productions plus équilibrées et plus tenez-vous-en à ceux qui insistent pour adopter de vieilles habitudes discriminatoires.

Les nouveaux critères incluent des repères pour le casting (au moins un personnage principal doit être joué par un acteur d’un groupe racial ou ethnique sous-représenté; pour les castings d’ensemble, au moins 30% doivent comprendre au moins deux des groupes suivants: femmes, personnes de couleur , Les personnes LGBTQ et les personnes ayant des capacités cognitives ou physiques différentes). Ils comprennent également des lignes directrices pour la composition des équipages (au moins deux chefs de service doivent appartenir à des groupes sous-représentés, au moins un étant une personne de couleur); ouvrir des opportunités d’emploi et de stage; et développer des publics diversifiés. Lorsque les lignes directrices ont été introduites, J’ai écrit une chronique applaudissant l’académie pour rendre concret le genre de liste de contrôle qui a été façonnée par des préjugés implicites et des clubs de vieux garçons pendant des décennies. Comme je l’ai noté à l’époque, les favoris des Oscars tels que «BlacKkKlansman», «Black Panther», «Roma» et «Parasite» semblaient de bon augure pour ouvrir la narration cinématographique au-delà de ses frontières historiquement borgnes.

Mais, citant une étude menée par l’Annenberg Inclusion Initiative de l’Université de Californie du Sud, j’ai noté que les femmes ne représentaient toujours qu’un tiers des rôles de parole dans les 1 300 meilleurs films sortis de 2007 à 2019. «Ils sont encore plus rares derrière. la caméra, où ils représentent 4,8% des réalisateurs », ai-je écrit. «Un record pour les cinéastes noirs est arrivé en 2018, mais même alors, ils n’étaient que 13% des réalisateurs, et leur nombre est revenu aux niveaux de 2017 l’année dernière.»

C’est cette dernière ligne qui a suscité un e-mail d’un lecteur, qui a observé que, si les Afro-Américains représentent environ 13% de la population américaine, pourquoi ai-je mis «seulement» devant les statistiques de 2018? Ce genre de proportionnalité n’est-il pas l’objectif?

La question m’a arrêté dans mon élan. La parité démographique exacte est-elle ce que nous recherchons lorsque nous parlons de diversité et d’inclusion? Comment saurons-nous quand une représentation authentique et durable a été obtenue?

Dans ma réponse à l’e-mailer, j’ai dit que je ne voyais pas les équivalences démographiques comme le but, surtout parce que les chiffres américains ne sont pas particulièrement utiles lorsque vous parlez d’un média mondial. Même si nous atteignons un point où 13% de nos films sont systématiquement centrés sur des histoires noires faites par et mettant en vedette des artistes noirs, ils sont toujours exportés vers un public international qui comprend des ratios bien plus importants de téléspectateurs noirs.

Pourtant, la question est provocante. Pour ceux qui ont plaidé pour l’inclusion à l’écran et dans les coulisses, comment le succès sera-t-il reconnu et mesuré? Et atteindre un objectif numérique suffira-t-il?

Madeline Di Nonno, présidente-directrice générale de l’Institut Geena Davis sur le genre dans les médias, estime que les chiffres ont leur place. Lorsque l’institut – qui se concentre sur la représentation à l’écran des femmes et des groupes sous-représentés – fait ses recherches, dit-elle, «nous mesurons par rapport à la population comme base de référence», en utilisant des statistiques démographiques concernant la population LGBTQ et les personnes handicapées, par exemple. Mais «la fiction doit au moins atteindre le niveau de base», note-t-elle, «puis aller bien au-delà. Les personnes de couleur aux États-Unis représentent 38% de la population. [But] nous examinons le talent. Nous cherchons des opportunités. Et des opportunités devraient être données à des personnes talentueuses et non pas: « Eh bien, nous avons maintenant 38% de réalisateurs qui sont des gens de couleur, nous pouvons arrêter. » Absolument pas. »

Pour Catherine Hardwicke («Treize», «Twilight»), qui a témoigné sur la discrimination sexuelle à Hollywood lors de l’enquête EEOC, les chiffres précis aident à éviter la tendance des gens à confondre l’optique encourageante avec un changement authentique.

«Vous pouvez dire: ‘Hé, j’ai l’impression qu’il y a une bonne ambiance, j’ai vu une femme diriger ce film’, mais quand vous voyez les chiffres, c’est là que la vérité vous frappe», a-t-elle déclaré lors d’un événement Women in Film and Video l’année dernière. «Quand 50 pour cent des films sont réalisés par des femmes, quand il y en a 40 pour cent par des personnes de couleur, alors on va se sentir comme« oui, c’est vraiment vrai », au lieu de juste l’ambiance. Alors je crois aux chiffres.

Le producteur DeVon Franklin, gouverneur de l’académie qui a aidé à formuler les nouvelles lignes directrices de la meilleure image, déclare que «dans un monde parfait, ces normes disparaîtront progressivement, car nous arriverons à un point où c’est exactement ce que nous faisons.» D’ici là, dit-il, les chiffres serviront moins d’objectifs concrets que de baromètre de progrès. «Cette entreprise, en matière de représentation et d’inclusion, est fantastique sur l’intention. Mais ils sont terribles lors de l’exécution », dit Franklin. «C’est une chose d’avoir une intention. C’est une autre chose d’avoir un plan qui respecte votre intention. »

Le British Film Institute a été la première organisation à élaborer des normes d’inclusion et de financement par actions, qu’il a lancées en 2016. Son document a depuis servi de modèle à l’académie, ainsi qu’aux prix BAFTA, à la BBC et à Channel 4. Melanie Hoyes , responsable de l’inclusion de l’industrie au BFI, déclare qu’en plus du genre, de l’ethnicité, de l’orientation sexuelle et des capacités physiques et intellectuelles, le BFI prend des mesures pour inclure le statut socio-économique et la représentation régionale dans ses directives, visant à élargir la perspective de la narration visuelle qui a été généralement enracinée dans la classe moyenne et supérieure de Londres et ses environs.

Les mesures statistiques peuvent être utiles pour les communications, dit Hoyes. «D’une part, les gens veulent savoir à quoi ressemble un bon, il faut donc donner une idée.»

Mais, ajoute-t-elle rapidement, «vous ne voulez pas en faire un exploit. Aimer, ‘[Now] nous avons terminé et nous n’avons plus à y penser. Il y a tellement de nuances dans cette idée. Si vous regardez les chiffres et la proportionnalité, ce serait une bonne idée que nos films ressemblent et soient réalisés par le public auquel nous les distribuons. Mais en termes d’inclusion, c’est un minimum. Ce qui est bien, c’est si ces représentations à l’écran sont vraiment nuancées, si les gens sont vraiment intégrés dans l’industrie, s’ils ont l’impression d’appartenir, s’ils sentent que c’est un bon endroit pour eux pour travailler, si c’est une industrie, ils peuvent venir. dans et ne pas se sentir intimidé ou comme ils ne peuvent pas progresser et doivent quitter, ou travailler trois emplois juste pour garder un emploi dans l’industrie. C’est bien plus que le nombre de personnes. »

La réalisatrice Maria Giese, qui était une instigatrice clé de l’ACLU et des enquêtes fédérales, est une militante féministe à Hollywood depuis 2014, lorsqu’elle a écrit un article explosif pour le magazine Ms. dans lequel elle a observé que le divertissement est le pire contrevenant du titre VII. les lois anti-discrimination en matière d’emploi de toute industrie américaine. Elle jette un œil un peu jaunie sur des entreprises comme Time’s Up, qui a été créée au sein de l’establishment hollywoodien pour lutter contre le harcèlement et les agressions sexuelles sur le lieu de travail, observant qu’il s’agit de l’un des nombreux efforts collégiaux au sein de l’industrie entrepris pour éviter les poursuites judiciaires et la surveillance du gouvernement. Ces menaces ont servi comme une sorte d’épée jumelle de Damoclès, obligeant les studios, les réseaux et les agences à faire ce qu’il faut après des décennies à nier l’existence d’un problème.

«Mettez les choses de cette façon», dit Giese. «Si vous voulez créer 50 à 50 femmes embauchées à l’écran et dans les coulisses, vous parlez d’une redistribution des emplois et de l’argent des hommes vers les femmes, et c’est une chose très difficile à faire – prendre des ressources, des emplois et influence sociopolitique dans le monde loin de la moitié de la population et la donner à l’autre moitié de la population. La seule façon de le faire est de le faire par la force. »

Surtout en ce qui concerne les femmes, dit Giese, les chiffres sont une mesure utile et simple. «Je pense qu’il est important que les femmes aient un emploi et une représentation égaux en tant que cinéastes et conteurs de l’industrie dans ce pays», dit-elle simplement. «Et il est vraiment important que ce groupe de 50% de femmes représente les équivalences démographiques américaines en termes de race, d’ethnicité, de sexualité et de capacités.»

Pourtant, si et quand nos films atteignent enfin un niveau de représentation proportionnel, c’est une autre question de savoir s’ils refléteront nos myriades de réalités. Nina Menkes, cinéaste et professeur de cinéma au California Institute of the Arts, réalise un documentaire intitulé «Brainwashed», dans lequel elle explore comment le sexisme a infiltré la grammaire cinématographique elle-même, de la façon dont les femmes sont éclairées et photographiées différemment à la façon dont le montage les fragmente en tant d’érotisations. parties du corps. (Giese est coproducteur du film, qui arrivera plus tard cette année.) Cette approche de la conception des plans est liée au harcèlement sexuel, aux abus et à la discrimination à l’emploi dans l’industrie cinématographique dans un «nœud du diable», dit Menkes. «Et le privilège des personnes au pouvoir est le ciment qui maintient ce nœud ensemble.»

Réduire les femmes à des objets de glamour et de gratification sexuelle, ajoute Menkes, est devenu «tellement normalisé que nous ne le remarquons même pas». Et les cinéastes peuvent être tout aussi enclines à la pratique que les hommes, que ce soit Sofia Coppola qui s’attarde sur Scarlett Johansson en sous-vêtements dans la séquence d’ouverture de « Lost in Translation » ou une étudiante en cinéma qui parcourt par réflexe le corps d’un personnage féminin sans raison discernable. .

Plus que de simples chiffres, ce sera à travers le langage symbolique des films eux-mêmes que le changement sera le plus perceptible et le plus significatif, insiste Menkes. Elle cite «Never Rarely Parfois Always» d’Eliza Hittman – un drame intense et naturaliste sur une jeune femme cherchant à se faire avorter à New York avec l’aide de son cousin – comme exemple d’une réalisatrice «allant jusqu’au bout» en rejetant le perspective cinématographique traditionnelle. «Elle montre la sexualité de la très jolie cousine et comment elle est harcelée par un gars et utilise à contrecœur son appel – mais Hittman nous garde toujours dans la perspective de ces deux filles», explique Menkes. «Nous n’obtenons pas le regard masculin sur ces filles. Et elle ne raconte pas très bien l’histoire, elle ne la rend pas acceptable.

Et elle voit des signes d’espoir dans le travail des réalisatrices nominées aux Oscars Emerald Fennell et Chloé Zhao. Elle qualifie la nomination de la «jeune femme prometteuse» de Fennell «d’étonnante», ajoutant que «en général, ce genre de représentation de la rage pure et simple d’une femme ne serait pas un tarif courant».

Quant à «Nomadland» de Zhao, Menkes attribue au cinéaste le mérite d’avoir résisté à l’hyper-sexualisation et à l’âgisme qui ont tourmenté même les films qui ont été applaudis pour leurs personnages féminins autonomes. «À ce niveau, je trouve« Nomadland »révolutionnaire», dit Menkes, faisant référence au protagoniste du film, joué par Frances McDormand. « Ce n’est pas une fille sexy, c’est une femme dans la soixantaine, elle ne porte pas des tonnes de maquillage – pour que ce film devienne un prétendant aux prix grand public est incroyable. »

En d’autres termes: voilà à quoi ressemble le progrès.

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