Le portrait d’Ingres de la comtesse d’Haussonville à la Frick Collection est l’un des tableaux les plus célèbres d’Amérique

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La comtesse d’Haussonville — le sujet de ce portrait au Frick Collection – était exceptionnellement belle. Elle était aussi morbide consciente de son effet sur les autres, peut-être parce qu’elle ne s’est jamais remise de la mort de sa sœur à 14 ans. en tous ceux qui cherchaient leur bonheur en moi.

Louise de Broglie, comme on l’appelait encore à l’époque, avait la vingtaine lorsqu’elle rencontra à Rome le grand peintre néoclassique Jean-Auguste-Dominique Ingres. Elle est tombée amoureuse – pas d’Ingres, qui avait la soixantaine, mais de une peinture dans son atelier – et lui a demandé de peindre son portrait. Bien qu’Ingres ait espéré que ses jours de commandes de portraits soient révolus, il a accepté à contrecœur.

De Broglie était une femme cultivée de haut rang social. Elle avait grandi en jouant du piano, en peignant des aquarelles et en assistant à l’opéra. Plus tard, dans la quarantaine et la cinquantaine, elle a écrit une série de biographies publiées, dont deux volumes sur Lord Byron, qui avait été proche de sa grand-mère.

Cette grand-mère n’était autre que Madame de Staël, l’écrivain, théoricien politique et célèbre causeur qui a incarné la brillante société française au cours des décennies avant et après la Révolution française.

De Broglie vivait dans l’ombre de Madame de Staël. Sa peur de ne jamais être à la hauteur la rendait vulnérable aux critiques. Dans son autobiographie inédite, elle a rappelé qu’à 9 ans, on lui avait dit que son personnage « n’avait pas assez de nourriture pour nourrir un chien ». Sa propre mère la comparait à « un joli vase sans anses ».

Ces critiques ont évidemment atterri. « Si vous avez toujours été critiqué, d’avant vous pouvez vous en souvenir » écrit rachel brosme dans son nouveau roman, « La deuxième place, » « il devient plus ou moins impossible de se situer dans le temps ou l’espace avant que la critique ne soit faite. » La narratrice de Cusk se tourne vers la peinture pour soulager cet état d’auto-aliénation : une grande peinture, suggère-t-elle, peut créer un espace pour nous-mêmes « quand le reste du temps l’espace a été pris parce que les critiques sont arrivées en premier. « 

Ingres, en peignant de Broglie, faisait-il une place à son vrai moi ? Ou préparait-il autre chose ?

Les séances de portraits ont commencé en 1842. La peinture a duré trois ans, pendant lesquels la future comtesse a eu son premier bébé. Ingres a réalisé environ 80 dessins préparatoires.

Le travail fini est magnifique.

C’est aussi, pourrait-on dire, un énorme mensonge : une représentation d’une jeune femme brillante qui déforme son anatomie, ne capture rien de sa vulnérabilité, élide la question de sa grossesse et de sa nouvelle maternité, comprime trois ans en un instant fugace et à la transforme en même temps une jeune femme pleine de vie en une figure immuable d’un éloignement presque oraculaire.

Mon dieu, quel mensonge ! La richesse du portrait est presque orchestrale. Son effet étonnant résulte d’une tension entre les choses matérielles rampantes (l’image gémit avec des détails sensuels) et une sous-structure profonde de conception abstraite. Le seul aspect nous lie à un moment précis (Louise, rentrée de l’opéra, a jeté son écharpe sur la chaise et tourne la tête avec désinvolture pour rencontrer notre regard). L’autre produit une atmosphère de calme sacré, immémorial. L’effet est l’équivalent esthétique de plonger de l’acier en fusion dans de l’eau glacée.

Ingres semble avoir mis toute son âme dans la robe de satin de de Broglie, dont la couleur est assortie à ses yeux. D’autres détails saisissants incluent ses cils blonds, ses jumelles d’opéra noires, un tire-cloche qui dévie de manière alléchante du cadre vertical du miroir et, reflété dans le miroir, un peigne à cheveux en écaille de tortue.

Contre cela, la pure symétrie de son visage annonce des harmonies célestes, tandis que sa silhouette est improbablement — rêveusement — sinueuse. Les tours de main anatomiques d’Ingres sont souvent remarqués : il place le bras droit de de Broglie, par exemple, à un angle tel qu’il ne pourrait pas se connecter avec son épaule invisible. De même, le doigt reflété dans le miroir ne doit pas être visible.

Lorsqu’un artiste impose de tels extrêmes de rigueur formelle à une représentation réaliste d’un autre être humain, vous pouvez commencer à vous interroger sur la relation entre nos aspirations (d’ordre, de beauté, de confiance, de permanence) et la réalité (qui est rudimentaire, laide, peu sûre et transitoire). Est-ce parce que nous cultivons l’idée d’un « vrai moi » qui peut transcender le désordre de la réalité que nous vénérons l’art, dans la conviction que seul l’art peut créer l’espace dans lequel ce moi pourrait exister ?

Je me demande, plus précisément, ce que cela signifiait pour Louise de Broglie, en vieillissant, d’avoir donné naissance – via Ingres et sa propre volonté forte – à une version si riche et immaculée d’elle-même, destinée à lui survivre des centaines d’années. . Le portrait ne la séduisait-elle et ne la séduisait-elle que pour la faire souffrir, comme elle croyait autrefois qu’à cause de sa jeune beauté, elle était destinée à faire aux autres ?

Nous savons seulement qu’en vieillissant, Louise est devenue préoccupée par la mort et la décomposition physique (sa volonté, selon le conservateur Frick Aimée Ng, a demandé qu’elle soit embaumée) et qu’elle a légué le portrait – son moi plus tôt embaumé comme art – à sa fille.

De grandes œuvres, au point

Une série présentant les œuvres préférées du critique d’art Sebastian Smee dans les collections permanentes des États-Unis. « Ce sont des choses qui me touchent. Une partie du plaisir consiste à essayer de comprendre pourquoi.

Retouche photo et recherche par Kelsey Ables. Conception et développement par Junne Alcantara.

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