Le Caravage a peint le déni de Jésus par Pierre juste avant sa propre mort mystérieuse

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On pense que ce Caravage au Metropolitan Museum of Art est l’une des deux dernières œuvres qu’il a peintes. Datée 1610, l’année de sa mort – un événement encore Enveloppé de mystère – la peinture est sur le design intime et sur mesure de la trahison.

L’artiste avait abordé le thème avant, dans son grand « La prise de Christ.»Dans cette peinture, le Caravage semble avoir utilisé le même modèle pour Judas (qui trahit Jésus avec un baiser) qu’il l’utilise ici pour Pierre, qui est montré en train d’être accosté par un soldat après avoir suivi Jésus dans la cour du grand prêtre Caïphe. Pierre – qui deviendra le rocher de l’église chrétienne – nie toute association avec Jésus, accomplissant ainsi la prophétie de son maître selon laquelle Pierre le reniera trois fois avant que le coq chante. La scène se déroule la nuit. Firelight donne à l’image son atmosphère de contingence vacillante.

Le Caravage, qui avait un talent pour se faire des ennemis, s’intéressait à toutes les manières dont les humains sont ne pas roches – toutes les façons dont nous sommes fragiles, inconstants et dont on ne dépend pas. Comme il n’était pas lui-même un saint (l’entrée du catalogue du Met, qui sonne un peu comme si elle venait du responsable des ressources humaines, note la «propension de l’artiste à la violence et son incapacité à s’entendre avec ses collègues»), nous pourrions étendre l’idée à dire qu’il était séduit par toutes les manières dont – ne voulant pas être les martyrs de la vertu – nous aspirons à la transformation.

Pierre mourrait, bien sûr, martyr de la vertu. Il a été crucifié à l’envers pour ses ennuis. (Caravage peint ça, aussi.) Mais dans ce travail, il montre Peter à son point le plus bas, moralement parlant.

Le Caravage nous plonge dans la scène de toutes les manières que nous associons à l’art baroque. Il recadre la composition étroitement, plaçant les trois personnages sur un fond sombre de sorte qu’ils poussent presque hors de la toile et dans notre propre espace. Vous pouvez presque sentir le souffle chaud et perfide de Peter.

Le peintre enlève tout ce qui est inutile. Mais au lieu de baigner les personnages dans une lumière clarifiante et rationnelle – comme dans un tableau de la Renaissance de Raphael ou alors Piero della Francesca – il met l’accent sur la rareté de la lumière, son éphémère, pour que l’on ait l’impression d’assister à un moment éphémère et précaire. Notez comment les ombres tombent de manière irrationnelle sur le visage de la femme, la laissant ressembler à un portrait cubiste de Picasso.

En ajoutant la charge viscérale du tableau, les personnages sont fragiles et familiers plutôt qu’idéalisés. Nous pouvons voir la saleté et les rides sur le front de Peter, la crasse cuite dans ses mains. Ces mains répondent aux doigts pointés de ses accusateurs par un geste implorant qui combine la protestation («Qui, moi?») Avec quelque chose de plus angoissé, impliquant presque les débuts de la repentance («S’il vous plaît, je vous en supplie…»)

La scène est encombrée d’inconnus et manque totalement de clarté. Le Caravage nous invite à approfondir le tableau, à en dégager l’ambivalence.

Ce qui semble toujours étrange dans la Passion du Christ, ce n’est pas seulement sa qualité prédestinée, mais aussi L’implication étrange de Jésus dans «l’ingénierie» de sa propre souffrance. Dans les cas de Judas d’abord, puis de Peter, les événements se déroulent de manière à suggérer l’intimité presque érotique de la trahison. C’est comme si (pour adapter une phrase de Saul Bellow) le couteau et la plaie se faisaient mal.

La trahison est horrible. C’est le pire. Mais devant l’étonnante peinture du Caravage, il est tentant d’en enregistrer un aspect que je soupçonne que l’artiste a non seulement compris, mais aussi trouvé profondément séduisant. Dans un essai provocateur sur Judas, l’écrivain Adam Phillips a écrit sur le rôle central de la trahison dans la créativité, la transformation et la croissance. En le refondant comme un cadeau, il a déploré «toutes les occasions de trahir et d’être trahies que nous avons manquées», les «risques que pour diverses raisons nous avons évité», les «échecs de nerf que nous nous sommes re-décrits comme engagement ou la loyauté, l’intégrité ou la gentillesse. »

C’est une prise très moderne. Et, bien sûr, voir la trahison en de tels termes, c’est acheter dans un monde machiavélique mélangé de motifs et de moyens confondus avec des fins et des idéaux. Un monde dans lequel la possibilité d’une cohérence éthique semblable à la roche s’érode continuellement. Un monde de lumière vacillante et de changement incessant. C’est un monde que le Caravage a été l’un des premiers à peindre.

Grands travaux, en bref

Une série mettant en vedette les œuvres préférées du critique d’art Sebastian Smee dans des collections permanentes aux États-Unis. «Ce sont des choses qui me touchent. Une partie du plaisir consiste à essayer de comprendre pourquoi. « 

Retouche photo et recherche par Kelsey Ables. Conception et développement par Junne Alcantara.

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